展览：伏尔加河之声——中国美术馆藏俄罗斯油画精品展
时间：2017-04-02 至 2017-05-07
地点：中国美术馆19、20、21号厅
俄罗斯油画给我印象深刻的有三个方面：忧郁、抒情和独特地灰色调。
严寒地带容易贫瘠，天冷影响农耕经济。穷困容易产生独裁政权；物质匮乏，在社会分配中必定会被权贵占有，贫富差异巨大。艰辛的生活给俄罗斯民族文化留下浓重的忧郁情调，这个传统在文学、诗歌、音乐、绘画中都有印痕。俄罗斯又是一个文化素质较高的民族，面对苦难自然会用抒情的方式排解郁闷。
忧郁与抒情加上寒带阴冷的环境，多方汇聚在绘画中形成俄罗斯独特的灰色色调。
梅氏创作紧随祖国的伤痛
这几个特征在这次美术馆俄罗斯油画藏品展中都有反映。最引人注意的当属是绘画大师梅利尼科夫的四幅小画。
我最初认识梅利尼科夫是他的一系列重大题材的巨作，《波罗的海军军人的誓言》《在和平的田野上》《觉醒，争取和平与独立》及《告别》等等，这些巨作统统都荣获大奖。如今在中国美术馆看到的却是几幅很小的画作，觉得很新奇。大画家也画小画，并且画得很精致。
《告别》梅利尼科夫（局部）
人们常说画家的功夫在画外，是说画家并不能仅靠技巧成就事业，更主要的是自身的修养以及对社会的敏锐感悟，没有这些支撑，作品就缺乏深刻性。欣赏亦如此，我们看画只能获得表面形色刺激，对于形象与色彩的观赏一般人很难深入，只是体验美，没有较高的审美修养又很难从形式构成中体验到节律美，更不会有强烈的心灵响应。如果对画家的经历有所了解：比如作品的创作环境，创作时画家的年龄，生活、婚姻状况等等那就不同了。画家在作品中处处留下环境与经历的印痕。人是适应环境的产物，艺术家不是从正面歌颂，就是从反面揭示，或者折射成幻象，它们都与社会有关。
了解一下梅利尼科夫的创作历程与创作环境，就能够基本了解了本次展品的创作背景，他的中后期经历，参展的这些画家都经历了。
梅利尼科夫经历了斯大林时代，经历了赫鲁晓夫时代，经历了戈尔巴乔夫时代；尤其是苏联解体后社会巨大震荡，物质匮乏，生活窘迫等等，他创作了《耶稣受难的十字架》，用耶稣受难比喻人民在痛苦中煎熬。之后，年龄大了，步入晚年，他画小品多了，画少女多了，色调也明亮了。
从他的经历来看，此人真是一个伟大的现实主义画家。他始终踩着时代脚步创作，在这个多变的环境中能够规避风险，几乎所有重要作品还都获奖了，真是令人惊叹。
在展览中我们看到梅利尼科夫的这些小品是八十岁左右时创作的。许多事他已悟透了，否极泰来，失望之极，转向希望，衰老逼近，渴望青春。他画唯美的裸体少女，既是对生命的渴望，也是对未来的希望。他在蓬勃的生命力中寻求再生，表现出一种蔑视衰败的勇气，用充满爱的激情去面对困境，表现出令人敬佩的不屈精神。
深刻的艺术作品都会对社会性心理做出补偿。任何社会都会有各种各样的问题，许多问题一时解决不了，艺术就会通过想象以虚幻的形式给自己与大众以心理补偿，满足希望，弥补缺憾。
他这样表达了自己的观点：“艺术有死的，也有鲜活的。活的，即使被埋藏在地底下，虽被破坏、被践踏，但只要有阳光和水分它就会重生，会被挖掘出来。因为它诞生于爱的真理中，诞生在追求完美中，诞生于善良和内心的毅力当中，所以它一定会在废墟中重生，用自己的美照亮人们的心灵。”
《梦》（局部）梅利尼科夫
梅利尼科夫画了许多女性，他认为女人是完美的化身。他说：“我经常画女人体，因为迫切地想去塑造一些能够尽量表现我思想和感觉的东西。但我希望超越模特本身，努力去表现我从幼儿时起就扎根我心灵中的唯美情怀。我希望观众看到女人体的唯美，能够想到无论世界上有多少苦难，还是会有很多美好的东西。”正是带着这种对女性和对美的理解，梅利尼科夫创作了《晨》等一系列表现沉睡女人体的作品。
《梦》（局部）梅利尼科夫
这次展出的《梦》即是这类作品的小型化，并且用《梦》直接表达希望的主题。他的作品《岛》也是类似的表达，是理想中的幻象，如同童话故事中的天国。
梅利尼科夫《岛》
美展中亚历山大.亚历大罗维奇.贝特罗《沉醉的格拉克拉》
《母爱》亚历山大·亚历大罗维奇·贝特罗
美展中亚历山大·亚历大罗维奇·贝特罗的《沉醉的格拉克拉》与《母爱》与梅利尼科夫的《晨》系列在主题上相似。梅利尼科夫用浪漫手法虚构式描绘，而贝特罗比较直接。当饱尝苦难后的人们会将希望寄托在繁衍与养育后代中。
梅利尼科夫小型作品中还有一个重要的主题是俄罗斯风景。梅式风景不同于同时代的风景画家，他的风景不是自然现象的直接描绘，而是力求捕捉风景给予人心灵感应。画家特别重视对风景的再创造。对于梅利尼科夫来说，最重要的就是在自然界中找自己心灵的寄托，一种内心世界在景致中的回应，这种回应源于风景，又游离于风景之外，是独立的情感表达。这种表达在作品《夏天》中描绘树枝时尤为明显：笔触任性挥舞，有的枝与干没连接，是意接，其画法与中国画论相符。
《夏天》梅利尼科夫
比较详细地解读梅利尼科夫的创作背景，其实概括了本次俄罗斯绘画的一些共同特质：经过苦难后的人民，伤疤渐渐愈合，需要以更平静的心态面对生活，享受生活。他们懂得和平的可贵，懂得欣赏大自然的美丽，更懂得享受平淡的美，以一种平静的心态憧憬未来。
懂得灰之美也就懂了油画
俄罗斯的风景画多数都是灰调子，画家画灰调子是很难的，没有很深的色彩功底容易画灰了，只要灰调子作品很明亮，那么必定画家具有很高的色彩修养。卡彼切娃的《白天》是一幅灰调子作品，它响亮明快，对比关系相对而言比较单纯，基本色是含灰的深绿色树干与粉红墙两种，属红绿补色对比。
《白天》卡彼切娃
所谓的色彩修养在于对含灰色的理解、敏感与处理。
彼得·季莫菲耶维奇·福明的《初春》与《田野》，维亚切斯拉夫·富朗采维奇·扎戈湼克的《毛毛雨后》与《深秋》，色彩比较丰富。这样的作品需要细品，各种颜色之间的过渡，每块颜色中都有丰富的冷暖変化，这些变化微妙，不注意就忽略了。当你体查到这些色彩的相互关系时会非常愉悦，经常还会脱离形象独立品味其中传递出的情绪与情感。
《初春》彼得·季莫菲耶维奇·福明
《田野》彼得·季莫菲耶维奇·福明
维亚切斯拉夫·富朗采维奇·扎戈湼克《毛毛雨后》
灰调子是俄罗斯的传统，近些年来俄罗斯画家开始突破这个“樊篱”，吸收西欧的养份，创作了一些色彩艳丽的色调。在这次的展品中谢尔盖·德米特里耶维奇·基奇科的静物《夕阳》，阿纳托利·帕夫洛维奇·列维京的《女孩》。它们都是以红绿补色对比组成的色调，对视觉冲击十分强烈。
谢尔盖·德米特里耶维奇·基奇科的静物《夕阳》
我们欣赏油画，色彩最惹人注目，在造型语言中它有直击心底的感染力。许多观众自认为对色彩有鉴赏力，而他们常常将以浓艳为标准。这个标准还停留在孩童阶段。我们用各种色块请小孩选择，小孩都喜欢大红大绿……不会选择含灰色，更不会选择灰色。
对色彩的鉴赏力，不在艳色而是灰与含灰色，会欣赏灰及含灰色的人才可能懂色调。画家巧妙地将各色调制出含灰色，才使五颜六色能够组织成统一的色调，是灰与含灰色才使艳色绚丽夺目；是灰与含灰色才使各色合作交织成视觉交响，给观者美的享受。
和谐的原理很简单，你中有我，我中有你，是多样统一的基础。绘画中的色调靠冷色中有暖色，暖色中有冷色；红中有绿，绿中有红；……不同颜色中有相同的成分，才有可能和谐。各色中相同的成分越多，和谐度越高；相同成分少，色彩对比强烈；相同的成分太少或使用不当，色调就会生涩不协调，颜色怯，显得脏。
颜料中由黑演变至白，其中绝大部分是深浅不同的灰色，因此可用灰来概括中间色。色调中的相同成分就是灰，红色中加一点点绿，其色艳度下降，含灰了。灰的运用决定色调是否和谐，是否高级，是弱对比还是强对比，决定色调对人心理的感染力。
阿纳托利·帕夫洛维奇·列维京的《女孩》背景的红色很响亮。响亮的原因是红色中有绿灰色。这个绿灰色可以在电脑PS拾色器中查找，所在的位置含灰量相当大。
阿纳托利·帕夫洛维奇·列维京《女孩》
色调基本上有两类：同类色色调与对比色色调。同类色色调是弱对比，对比色色调是强对比。
蓝调子、红调子、灰调子、棕色调子等等都是同类色色调。尤里·维塔利耶维奇·卡留塔的《红色的肖像》，用红色“一统天下”，除了红色就是红润的皮肤色。这幅作品显然是红色色调。这个色调之妙在于深色中含绿灰，臂上的手表与戒指是含灰的深湖绿，这些不惹人注意的补色点缀才使色调明亮晃眼。欣赏油画进入这个层次才会其乐无穷。
《红色的肖像》另一个特点是服装与背景红色相同，使人物肖像嵌入红色中，整体感极强，形象特别突出。人的轮廓虚掉了，欣赏者需要自己去“描绘”。这种虚实的处理方式使画面简洁，很有趣。
尤里·维塔利耶维奇·卡留塔的《红色的肖像》局部
安得烈·尼古拉耶维奇·斯克良里科的两幅作品《狩猎后》和《歌声》风格特点鲜明，非常惹人注目。作品最大特色也是虚。不同之处《红色的肖像》虚掉次要的，突出脸与手。这两幅作品是全虚，观者需要在作品中“找”形象。形象虚得几乎找不到，是造型艺术中典型的艺术谜语。在半抽象的作品中艺术谜语是常用手法，在写实作品中比较罕见。
艺术谜语是艺术家有意将本来清晰的形象用各种手段隐蔽起来，不让观众一目了然。人有窥视本能，越不清晰越想辨识，当一个不清晰的形象被辨识清楚时，观众会获得特殊的审美享受，这种辨识过程与猜谜语有相似之处。不同的是不仅仅有解惑的快乐，还会获得美的享受。
安得烈·尼古拉耶维奇·斯克良里科《狩猎后》
安得烈·尼古拉耶维奇·斯克良里科《歌声》
艺术之妙不在清晰准确，而在虚无飘渺中。虚中无物是空虚，虚中有物又不能轻易了然，是艺术作品引人入胜的秘籍，也是与科学逻辑性阐述截然相反的地方。
这次美展没有什么大幅作品，中小幅居多。其实艺术作品的价值不能以大小论处，质量与尺寸无关。卖画以尺计价属商业行为。西欧经典画作很多尺寸不大，很适合家居装饰悬挂。
文并摄影/聂昌硕
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